有句话说得好「男人有了钱就会开始作怪」，除了女人不算以外，一开始这些作怪男人购买的东西总是些手錶跑车，慢慢地变成珠宝首饰。而几年后会发现他对这些东西一笑置之，开始谈起最近喜欢的历史文物和艺术创作。
斋主有个做艺术买卖的朋友，他们的顾客并非都是些文人雅士或是三世富贵，有些也是初尝金钱美好滋味的新鲜人。逢年过节的礼物挑选上就会遇到问题，毕竟不是所有客人喜欢的礼物喜好都相同，越不习惯金钱的人就会越需要与金钱相关的礼物，但任何一个习惯有钱日子的人礼物则是需要更具备精神价值，就像是书籍、文物或是艺术品。
追求精神价值是种有闲的行为，毕竟当人在有生存困扰的时候，在乎的东西都必定是实质的东西，只有当离生存困难越来越远的时候，才会在乎的价值越趋近于精神。从一开始的跑车名錶包包，到珠宝首饰的时候那怕其精神价值较高，但依然是个人人都知道有价值的物品。直到最后需要大量知识和经验才能分辨其价值的艺术品和文物，这个过程是越来越具备精神价值的。
没有什幺东西比艺术品更具备精神价值了，艺术品的存在本身就是有闲。想像一个原始社会当中的某人可以不事生产的在壁穴中，拿着有色石头在山壁上作画，而那张图像甚至成为了教育下一代如何打猎，或是讲述部落的神话故事，这张图像从创造开始就是有闲的产物。
谈到艺术品，我们脑海中第一个出现的总是画作，无论是毕卡索、雷诺瓦还是达文西，我们都已经习惯的认为他们是我们心中的艺术家，但当代的艺术市场其实是从印象派之后才逐渐建立的。而就算是印象派重要人物的雷诺瓦，也从未认为他自己是个艺术家，反倒认为自己是个画匠。
在照相技术发明之前，所有画作的主要价值都是保留影像，并期许能让场域「再现」。无论是大卫的拿破仑加冕、林布兰的夜巡、达文西的蒙娜丽莎甚至到卡拉瓦乔的历史画，就算其画中场景是假，但终究是对于故事或是神话中情境的再现。这类的作品主要的价值是政治宣传或是个人的外貌保存，所谓艺术的精神价值也都是两百年来逐渐被重视的项目。但在照相机发明之后，人们不再需要用画作来保存影像，如果一个画匠所画出的东西全然与照相机相似，那为什幺不使用照相机就好?
当创作者们意识到自己不再需要以「再现」为目的时，许多过去没想过的事情一一解放，可以替画作加上模糊的因子或是刻意的延展和变形，甚至调换其中的颜色等等。这些特立独行的风格成为了个人的签名记号，也成为了画作的精神价值，而艺术市场因此大开。
而文物市场则更是满满的历史、精神价值。从第一版的国富论印刷、拿破仑死前所用的咖啡匙、狄更斯生前爱用的笔、巴尔札克的私人食谱或是历史文件的签约笔等等，这些东西在物理上没有丝毫价值，现在可以轻易的买到更好的国富论印刷版本，或是比狄更斯爱笔更好写的笔。这些东西之所以有价值是因为曾经参与过历史，有着些特殊精神价值。
这些价值对于大多数的人来说是难以理解的，因为在这个时代你可以轻易地到某家博物馆的名作前面，简单的按下手机上的照相键，你就可以完整保存这张名作的完整图像，或是到咖啡用品店找到拿破仑时代的复刻咖啡匙，那这样又跟那些高价位的艺术品或是文物有甚幺差异呢?
华特班雅明曾在《机械複製时代的艺术作品》回答这一问题。任何的物品都有独特的灵光，这种灵光有着特殊的记忆性，会记载着「此时此地」的气息。从艺术家创造艺术品时的样貌到麦克阿瑟签名时的历史场景，这些灵光都刻印在本身没有什幺价值的物件上，反倒是这些精神上的灵光价值成就了这些文物或是艺术品的高价位。而照相机、摄影机或是各种形式的纪录方式，都没有办法完整保存这些精神价值，这也成就了「灵光」无懈可击的说法。
对大多数的人来说，或许可以理解为什幺马谛斯或是莫迪里亚尼的作品为什幺俱有灵光，因为这些作品不只是单纯的漂亮，甚至在某个程度上来说它们拥有超乎文字可以诉说的魅力存在。对于大众来说，还可以用其物理上的画作价值或是艺术家的亲手製作来说服其价值之所在。
但达达主义者杜象彻底打破了这个概念，1917年的某天他参加一个展览，他不假思索的去商店买了一个男性小便斗，在上面写上毫无干係的字之后就送去展览。想当然是被展览官方给痛骂，但是这项作品「喷泉」，却开启了另一个思想疆域，那就是艺术品可以只是单纯的思想，而过去的艺术品或许思想的载体是画作或是雕塑，但如果思想本身才是艺术品的价值，那为什幺载体不能是个毫无意义的机械製造品或是废弃物？
到了今天的当代艺术，我们走进美术馆当中，总是能看到许多毫无意义的艺术品，其表现的形式也是各种五花八门，从录像、共同创作到根本没得保存的行为艺术，那怕再荒谬的形式都还是能找到买家购买这项艺术品。当然一个录像艺术的储存方式就是影片，我们可以轻易的在网路上看到相同的影片，差异是购买者才是真正拥有这支录像版权的人，重点在其「拥有」的精神价值。
当然除了「拥有」的精神价值之外，更直接的是艺术品进入交易市场之后而产生的「交易价值」，当一项废物被所有人都认定其有价值之时，这项东西就会产生交易的价值，进而能够交换大量资源。于是真正的问题就是，如何让别人认为这项东西很有价值?
艺术品增加价值的方式很多，包含官方机构的认证、大艺术家的肯定、名家实质购买的行为、高端艺廊的经纪约、拍卖不断攀高的价格以及社群媒体上的火热话题等等，都是让艺术家和艺术品增加价值的方法。至于文物增加价值的方式，则是增加其戏剧的意义性，不只是其文物的历史价值，若是可以透过更多的历史研究和戏剧宣传，则该文物的价值更会水涨船高。
但艺术品的价值从来就不是所有人都认可的价值，几年前罗斯科的抽象画作以超高价售出的时候，甚至招来许多人的疑惑。但艺术作品的高价位从来就与无法消费的人无关，艺术讨好的对象从来就是高文化资本者的肯定，以及高经济资本者的消费，只要有足够多文人雅士愿意大声肯定或是大声谩骂作品，以及有消费得起钱的人愿意购买，就可以成为高价位的艺术品，甚至购买者本身不具备相对应的知识水平以解读该作品也是完全没有问题的。
换句话说，艺术品从来就是小圈圈自我安慰的高价商品，但也正因为这个圈子够小，才显得出这些艺术品的价值，也因为这些作品少量生产，所以根本不需要讨好所有的社会大众，它们需要的只是讨好该讨好的人即可。而购买艺术品的炫耀价值并不只是炫耀财力，更是彰显自己有足够的文化知识，而文化知识本来就是排斥低端人口的，因此大众对罗斯科的作品斥之以鼻，反倒显现出该作品的非凡之处。
不过在当代艺术中，也有艺术家走入大众，贩售可以少量複製的艺术品。像是村上隆的限量版画每一个都是原作也都不是我们所认知的传统意义原作。差别是以前贩售海报或是仿画总卖不了甚幺钱，但是当变成可以限量複製并赋予编号的版画时，比起单卖一张原作来说，这时有更好的宣传效益以及公众名望，只不过虽然价位较低，但也不是一般人愿意去花的钱。
但无论是艺术品还是文物，除了本身很有闲之外，连要拥有这样的物品都必须相当有闲的环境。像是艺术品必须要有一面足够大的墙壁和精心调配的光线，而文物则需要有相当保存的技术，以及相呼应的装潢风格。在这寸土寸金的时代，要将这些物品妥善保管并展示，本身需要的财力和精力也是足以证明自己是「有闲」的。
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